La Rocola el Viejo Bar
Episodio 4: Lumpy Gravy – Frank Zappa - 1967/1968
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Hola, bienvenidos al viejo bar. La rocola está lista y también nuestras bebidas. Vengan, la mesa está libre.
En los episodios uno y dos de esta serie estuvimos escuchando los dos primeros discos de The Mothers Of Inventions, primeros pasos de la carrera de Frank Zappa. Apenas cuatros meses después del segundo disco, el 7 de agosto de 1967, y al mismo tiempo que grababa su tercer disco con TMoI, el músico publicó su primer disco solista. Y vaya si es extraña esta placa.
Para empezar, Zappa aquí es el compositor y director pero no toca ningún instrumento. Quien sí toca es la Abnuceals Emuukha Electric Symphony Orchestra, un grupo conformado por Frank de unos 57 músicos de Hollywood, al menos los que pude contar, los cuales en su mayoría no se conocían entre sí. Cuenta la leyenda que algunos de los músicos de la orquesta se reían de Zappa y sus ideas y algunos ni siquiera querían tocar. Uno de ellos se negaba alegando que era imposible reproducir esas partes. Frank le preguntó: si yo puedo tocarlo con la guitarra, ¿vos podrías al menos intentarlo? Curioso.
El segundo dato relevante fue la pelea de Zappa con la discográfica MGM. Éstos lo demandaron diciendo que había violado su contrato al editar un disco con su nombre, mientras que Frank alegaba que nada le impedía ser director de una orquesta. Esto generó un hecho algo extraño: en 1967 se editó esta placa como un cartucho de cuatro pistas con una duración de veintidós minutos y nueve temas. Durante el juicio Zappa continuó desarrollando la obra, la cual se volvió a editar al año siguiente, ahora si como un disco, compuesto por dos temas de quince minutos cada uno. Esta segunda versión es considerada «la oficial». Ambas placas tienen sus diferencias. Y analizarlas en detalle es realmente muy difícil, en especial porque estamos hablando de Música Concreta, o algo así (acá difiero un poco con quienes dicen que este género es el predominante de la placa). Y si queremos ir más allá, a futuro se iban a editar otras versiones con varias diferencias y agregados.
Creo que es hora de ir al disco en su versión original. O al cartucho, bah. Si, nuestra rocola también nos permite escuchar viejos cartuchos de cuatro pistas.
El comienzo es con «Sink Trap», el cual inicia con una batería muy jazzera para luego transformarse en una conocida melodía del repertorio de Zappa liderada por un xilofón y un piano, que actúa como leiv motiv. Los cambios de ritmo y/o de tiempo son constantes.
«Gum Joy» comienza con unas flautas que luego dan paso a un ritmo cansino en primer lugar y a uno mucho más animado que acompaña a la misma melodía del primer tema. El tiempo es irregular y los cambios de clima siguen siendo constantes. Casi sin darnos cuenta la orquesta toma el control de la pieza. Cada instrumento tiene un objetivo distinto, en especial cuando sobre el final entran en una sección caótica.
En «Up and Down» los vientos y las cuerdas te acarician lentamente al principio, acompañadas por una guitarra y el xilofón. Y luego, nuevamente, el caos. Se distinguen pinceladas del leiv motiv. No hay ritmo, solo experimentación sonora. No quiero ni ver la partitura de ésto. Creo que me explotaría la cabeza.
«Local Butcher» continúa la experimentación. Percusión y vientos generando un ambiente confuso y desordenado que transmuta a pequeñas secciones lentas y pacíficas sin perder de vista el clima tenso. Estamos caminando por pasillos oscuros y peligrosos. El piano, grave y profundo, nos persigue, mientras los violines nos avisan del peligro.
«Gypsy Airs» está dominado por las cuerdas de los violines y cellos. No hay melodías, al menos no de las que pudiésemos conocer. El caos sigue ahí.
«Hunchy Punchy» vuelve a mostrarnos pinceladas de la melodía que domina el disco, pero rápidamente se vuelve un frenético enjambre de sonidos percusivos. No hay orden ni lógica.
«Foamy Soaky» toma una forma mucho más estándar. Los vientos toman el control de la melodía primero, para luego dejar paso al piano y al xilofón. El leiv motiv vuelve a aparecer de varias maneras; completo o con pequeños atisbos de él. Sobre el final un pequeño caos.
«Let's Eat Out» sorprende con una hermosa guitarra española que nos hace creer que vamos a recorrer un camino simple, pero a los poco metros los vientos y las cuerdas vuelven a meterse en un excéntrico y lento caos sonoro. La percusión se suma y el descontrol aumenta.
El cierre es con «Teenage Grand Finale». Algunos bronces nos guían por un pequeño sendero melódico interrumpido por otros bronces que se interrumpen unos a otros. Una nota acá, tres allá, dos acá, siete más allá. El leiv motiv aparece muy escondido, en las sombras. La intensidad aumenta dramáticamente hasta caer en un final lento, derrotado.
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Episodio 3: The Piper At The Gates Of Dawn – Pink Floyd - 1967
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No es fácil dar un contexto para comenzar a explicar los comienzos de la obra de Pink Floyd, pero intentaré arrancar por donde mejor pueda. Allá por 1963 un grupo de compañeros de la carrera de Arquitectura (arquitectura… The Wall… bueno, falta muchísimo para éso) decidieron armar un grupo. Ellos eran Nick Manson, Roger Waters, Richard Wright, Keith y Sheilagh Noble, y Clive Metcalfe. Se llamaban Sigma 6 y tocaban algunos temas propios y covers. La nota de color acá es que Waters y Wright tocaban la guitarra. Como muchas bandas en el comienzo de su carrera, los cambios de nombre eran comunes, y las opciones fueron variadas: Meggadeaths, The Screaming Abdabs, Leonard's Lodgers, The Spectrum Five y The Tea Set. Este último fue el más usado en aquella época.
A finales de 1963 dejaron la banda Metcalfe y los hermanos Noble y en 1964 se sumó Bob Klose para hacerse cargo de la guitarra y dejando así que Waters tomara el bajo. Y también se produjo el ingreso de Syd Barrett, amigo de la infancia de Waters. Sumaron a Chris Dannis en la voz, pero duró muy poco y esto permitió que Barrett, ya en 1965, tomara esta posición además de la guitarra. Y poco tiempo después fue Klose quien dejó la banda, quedando así la primera alineación conocida: Barrett, Manson, Waters y Wright.
Según cuentan, debido a que había otra banda llamada The Tea Set, decidieron hacer un nuevo cambio en su nombre. Es conocida la historia de cómo Barrett siguirió el cambio. Él era fan de dos bluseros de culto: Pink Anderson y Floyd Council, y vio en la unión de sus nombres el pie para nombrar a la banda. Aunque fue variando de show en show: The Pink Floyd Blues Band, The Pink Floyd Sound y luego, ya en 1966, The Pink Floyd para derivar, recién a principios de los 70s, al Pink Floyd que todos conocemos.
En 1967 Pink Floyd consigue firmar con EMI para grabar su primer simple: «Arnold Layne». El tema, que habla de una persona trasvestida que roba ropa interior, es sin dudas una temática no muy apta para las radios de aquella época. Meses después graban un segundo simple: «See Emily Play» y comienzan a tener algunas apariciones televisivas en donde se hacen notar algunas actitudes “perdidas” por parte de Barrett.
Algunos meses después comenzaron la grabación del álbum propiamente dicho. Y lo hicieron en el mítico Abbey Road Studios, en Londres, bajo la producción de Norman Smith. Cuenta la leyenda que los Beatles estaban ahí creando Sgt. Pepper y que los Floyd fueron invitados a ver la grabaciones de «Lovely Rita». Las sesiones para el álbum duraron tres meses. Primero atacaron las canciones más convencionales y luego las más experimentales. De los once temas del disco, ocho son de autoría de Barrett, dos fueron escritas en conjunto y solo una es de Waters. Se editó el 05 de agosto de 1967 y su título fue tomando del libro El viento en los sauces de Kenneth Grahame. Y la tapa… bueno, psicodelia pura.
Vamos al disco. ¿Les parece?
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Episodio 2: Absolutely Free - The Mothers Of Invention - 1967
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Hola, nuevamente. Hoy es un caluroso día, ideal para tomar algo y escuchar algo de esta vieja rocola. ¿Me acompañan?
Casi un año después de haber editado su primer disco, el 26/05/1967 The Mothers Of Invention publicaron su segundo album: Absolutely Free. Nuevamente utilizaron los TTG Studios en Los Angeles bajo la producción de Tom Wilson para armar una obra que no íba a ser tan ambiciosa como la anterior, pero que íba a mantener muchos de los rasgos encontrados en aquel. O quizás debería decir que es aún más ambiciosa que la anterior… Bueno, ya veremos.
La banda tuvo algunos cambios. Ya sin Elliot Ingber en el grupo, Jimmy Carl Black, Ray Collins, Roy Estrada y, claro, Frank Zappa comenzaron a grabar el disco junto a cuatro nuevos integrantes: Billy Mundi, Don Preston, Bunk Gardner y Jim Fielder (este último dejó el grupo antes que el disco saliera a las calles y por esta razón fue eliminado de los créditos).
Según Zappa, acá comenzaron sus problemas con las discográficas. Los límites presupuestarios le traían muchos problemas. Claro, una vez que se acaba el dinero, se acabó el tiempo en el estudio. Y si no terminaste, lo siento. Así sufrió Frank con este problema hasta que pudo construir su propio estudio. Además, peleó mucho contra MGM en cuanto a reagalías. Ocho años de juicio contra la empresa para que ésta le pague lo que le correspondía por los dos primeros discos. Desgastante.
Volviendo al disco, nuevamente su temática es una sátira social y política. Conceptualmente cada una de las caras del disco es una suite constituida por un grupo de temas cortos; todos con la firma exclusiva de Zappa.
¿Vamos a escucharlo? Creo que acá tengo una moneda. Vamos...
El lado A (llamado «Absolutely Free»: #1 in a Series of Underground Oratorios”) comienza con «Plastic People» y realmente es muy difícil intentar explicar un tema así. En principio no tiene una estructura definida. Múltiples voces, algunas cantando otras no, un ritmo por momentos inexistente, gritos, cambios de ritmo, acordes disonantes… La melodía solo está en el estribillo, el cual usa el famoso riff de 10 notas del tema «Louie Louie» de Richard Berry. Intenso.
«The Duke of Prunes» comienza con una lenta melodía poco convencional y luego toma algo de velocidad manteniendo dicha melodía con una marcada base del bajo. La experimentación melódica en ambos temas en notoria.
«Amnesia Vivace» sube la apuesta en cuanto a la experimentación. En estos minutos no hay acordes que guíen a una melodía. Solamente sonidos algo inconexos, tarareos y frases habladas relacionadas con el tema anterior.
Y engancha directamente con «The Duke Regains His Chops», que es una prosecución, tanto en letra y música, del segundo tema. A continuación, «Call Any Vegetable», un lindo clásico que pareciera estar compuesto por dos ideas completamente distintas y contrapuestas. La primera, muy melódica y pegadiza. La segunda, mucho más experimental.
«Invocation & Ritual Dance of the Young Pumpkin» es el primer instrumental de la carrera de Zappa y compañía. Siete minutos de ideas que se transforman en un riff veloz con un largo solo de guitarra y vientos; ambos instrumentos con sus propios caminos en la improvisación.
La cara A cierra con «Soft-Sell Conclusion», algo así como el cierre de «Call Any Vegetable». Y al finalizar este parte no sé si me estoy riendo por las jocosas referencias o tengo ganas de comer queso, pasas de uva y vegetales.
En este punto me voy a mantener con la estructura original del disco, ya que en reediciones posteriores aquí hay agregados dos temas extras. Esperemos que el disco se de vuelta. ¡Clic!
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Episodio 1: Freak Out! - The Mothers Of Invention - 1966
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Vení, sentate que hay lugar. Yo invito. ¿Pongo música?
El 27/06/1966 se editaba el primer album de The Mothers Of Invention, aunque quizás deberíamos decir el primer album de Frank Zappa.
A principios de los 60s Zappa conoció a Ray Collins para unirse a una banda de covers de R&B llamada Soul Giants en reemplazo del guitarrista anterior. Luego de presentarse durante un tiempo en clubes locales, Zappa comenzó a presionar a sus compañeros para tocar temas priopos. El entonces líder de la banda, el saxofonista Davy Coronado (¿será pariente mío?), no estaba de acuerdo con el cambio de rumbo y decidió alejarse del grupo. Durante 1965 la banda cambió su nombre a The Mothers y se mudó a Los Angeles donde siguieron tocando en el circuito nocturno pero esta vez con temas propios.
Cuenta la leyenda que en 1966, durante un show en un club, los escuchó Tom Wilson, productor de MGM, y les ofreció un contrato discográfico con un adelanto de US$2500. El dato de color acá fue que Wilson escuchó solo un tema de la banda, al parecer “Trouble Every Day”, y los consideró una banda de blues blanca. Pero claro, la canción no tenía mucho que ver con el estilo general del grupo.
Ya con la banda en el estudio, el TTG Studios en Los Angeles, Wilson pasó a escuchar las sesiones de grabación y quedó descolocado al darse cuenta que estos muchachos eran bastante más que solo “una banda de blues blanca”. Pero le gustó mucho y le pidió a la productora aumentar el presupuesto para darles mayor libertad a la hora de grabar. Esto llevó a la banda a hacer algo que era muy extraño en aquella época: sacar un disco doble. Y más raro aún era que ese disco doble fuese el debut. Y ya que estamos, para completar esta extraña tríada, el disco era conceptual, tal vez uno de los primeros discos conceptuales dentro del rock. Según palabras de Frank, en aquella época se graban uno o dos temas que servían como simples y el resto eran temas de relleno. Pero en este caso, cada tema tenía un significado y una función dentro del disco. Y el orden de los temas fue motivo de discusión durante la producción. Además, Zappa quería que disco doble se vendiera al mismo precio de uno común y para convencer a la discográfica, cedió sus regalías sobre la segunda placa.
Sobre el final de la grabación tuvieron que volver a cambiarse el nombre. Al parecer los ejecutivos de la discográfica veían en el nombre “The Mothers” una relación directa con la palabra “motherfucker” y esto podría hacer que los DJ de la época no quisieran pasar sus temas. Le sugirieron llamarse The Mothers Auxiliary pero finalmente decidieron tomar su nombre definitivo.
Jimmy Carl Black, Ray Collins, Roy Estrada, Elliot Ingber y Frank Zappa junto con otros 22 músicos invitados, armaron un disco que estaba dividido en dos grandes partes. Las caras A y B tenían temas que podríamos llamar normales: cortos y simples (o al menos, simples para los estándares de TMoI), mientras que las caras C y D estaban ahí para mostrar la faceta más compleja y experimental de la banda: piezas largas, compuestas con un sinfín de ideas y arreglos, todas saliendo de la cabeza de Zappa, mostrando el peso que tenía dentro del grupo. Y las letras, bueno, las letras tenían un tinte sarcástico que criticaba la cultura pop yanki, la guerra y las relaciones amorosas fallidas.
Vamos al disco. Pongo una moneda… ¡Clic! Listo.
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